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ANIMACIÓN DIGITAL

ANIMACIÓN 6 MESES + PRODUCCIÓN DE PROYECTO COLABORATIVO

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INTRODUCCIÓN

 

Conceptualización + Creatividad

-Procesos para desarrollo creativo

-Design Thinnking

-Alquimia Creativa + Método Spark

-Storytelling + Guión

-Organización

-Liderazgo

-Dirección de arte

 

DIBUJO + ILUSTRACIÓN

Mejoramiento del dibujo

Técnicas de Observación NeoG (Basada en Gestalt)

Anatomía

Mécanica del movimiento

Pensamiento Crítico y Analítico

Física de los objetos

Character Design

Background Design

Sketching

Line Art

 

Color

Ilustración Digital (Photoshop/ Procreate/ Medibang/ Illustrator)

ANIMACIÓN

Enamorarse del dibujo

Presentación

Procesos de las producciones 2D

Tipos de animación

Referencias e influencias para mi trabajo

Práctica de Gesture

 

¡Animemos!

Animación tradicional

Tipos de fotogramas

Conectar fotogramas

Personaje rebotando

 

+ Herramientas

Partículas

Boceto de la idea

Rough

 

Clean-Up

Tips para Clean-up para animación

Clean-up de tu proyecto

Color

Final

Incluye certificado

Profesor de Animación

Brayan Viera

https://braviera.sagradopop.com

Nominaciones

https://braviera.sagradopop.com/about/

Profesor de Creatividad y Dibujo

Joaquin Fernandez

(Director de The Academy)

Ver página de THE ACADEMY AL FONDO 👇

https://www.theacademypty.com/

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STORYTELLING

Tema 0. Introducción al storytelling

  •  ¿Qué es storytelling?

  • Intención del storytelling

  •  Importancia del storytelling

  • 6 cosas que debes tener en cuenta para crear tu storytelling

El lenguaje simbólico.

Tema 1.
Sistema creativo para Storytelling
Aplicando Metodo Spark
Worldbuilding
Timeline
Keyevents
Estructura narrativa
(Piramide Freytag; Aristotelica; Paradigma Syd Field, Camino del Héroe)
Sistemas de poder
Organización del proyecto

  • Mitos y arquetipos

  • El viaje del héroe


Tema 2. Desarrollo del storytelling

  • Contando historias que suceden

  • Tipos de storytelling

  • ¿Cómo enganchar al espectador?

  • 17 pasos para hacer un relato cautivador

 

Tema 3. Storytelling y mercado

  • Marketing y storytelling

  • 3 técnicas para hacer un storytelling efectivo

  • Funciones del storytelling

  • ¿Cómo puedo hacer un buen storytelling?

  • El storytelling y la estrategia de contenidos

 

Tema 4. Storytelling y social media

  • El storytelling en la práctica

  • ¿Cómo incorporar el storytelling a la estrategia de social media?

  • Narrativa transmedia y su integración al storytelling

  • 8 principios de la narrativa transmedia

Tema 5. Planning y storytelling

  • Modelo de planning basado en storytelling:

a) Consumer insights

b) Propósito

c) Drama

d) Chemistry

e) Telling

f) Diálogo

g) Media
 

Tema 6. Uso práctoco del storytelling

  • Storytelling en el marketing

  • Identificando historias para contar

  • Dando en el clavo de medio

  • Claves del storytelling de marketing
     

Tema 7. El storytelling audiovisual

  • Narración visual

  • Conceptos de la narración de historias

  • Convertir datos en historias

  • ¿Qué hacer y qué no hacer en la visualización de datos?

  • ¿Cómo elaborar una historia?


Tema 8. Técnicas literarias y audiovisuales aplicadas al storytelling

  • Ventajas del storytelling

  • Recursos del storytelling
     

ILUSTRACIÓN INFANTIL

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Introducción a la ilustración infantil: Brindar una visión general del mundo de la ilustración infantil, sus características distintivas y su importancia en la literatura infantil.

 

Exploración de estilos y técnicas: Presentar una variedad de estilos y técnicas utilizados en la ilustración infantil, desde ilustraciones tradicionales hasta digitales. Animar a los estudiantes a experimentar con diferentes enfoques para encontrar su propio estilo.

 

Desarrollo de personajes: Enseñar cómo crear personajes atractivos y memorables que sean apropiados para los niños. Cubrir aspectos como la expresión facial, el lenguaje corporal y el diseño de personajes consistentes.

 

Composición y narrativa visual: Explicar los principios de composición visual y cómo utilizarlos para contar historias a través de las ilustraciones. Enseñar sobre el uso del encuadre, la perspectiva y la secuencia narrativa.

 

Color y paleta cromática: Introducir los conceptos básicos del color y cómo utilizarlo de manera efectiva en la ilustración infantil. Explorar diferentes paletas cromáticas y cómo pueden transmitir diferentes emociones y atmosferas.

Uso de elementos gráficos: Enseñar cómo utilizar elementos gráficos como patrones, texturas y fondos para enriquecer las ilustraciones infantiles y añadir detalles interesantes.

 

Ilustración de libros infantiles: Examinar los aspectos específicos de la ilustración de libros infantiles, como la creación de portadas atractivas, el diseño de páginas interiores y la coordinación de imágenes con el texto.

 

Ilustración digital: Familiarizar a los estudiantes con las herramientas y técnicas digitales utilizadas en la ilustración infantil, como tabletas gráficas y software de dibujo. Proporcionar orientación sobre cómo adaptar las habilidades tradicionales al entorno digital.

 

Colaboración con autores y editores: Ofrecer información sobre cómo trabajar en colaboración con autores y editores para desarrollar ilustraciones que se adapten a un texto específico y cumplan con las expectativas editoriales.

 

Proyecto final: Permitir a los estudiantes crear su propia serie de ilustraciones infantiles basadas en una historia o concepto original. Fomentar la creatividad y la expresión personal mientras se aplican los conocimientos adquiridos durante el curso.

 

Recuerda que estos puntos son solo una guía general y que el contenido específico de un curso de ilustración infantil puede variar según la institución o el instructor que lo imparta.

taller animacion digital
storytelling
ilustracion infanil
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ILUSTRACIÓN DIGITAL

Introducción a la ilustración digital: Proporcionar una visión general de la ilustración digital, sus ventajas y posibilidades creativas. Presentar las herramientas y software más utilizados en la ilustración digital.

 

Conocimiento de las herramientas y software: Familiarizar a los estudiantes con las herramientas y funciones básicas de los programas de ilustración digital, como Adobe Photoshop, Adobe Illustrator, Procreate u otros software populares.

 

Técnicas de dibujo digital: Enseñar diferentes técnicas de dibujo digital, incluyendo el uso de capas, pinceles personalizados, herramientas de selección y modos de fusión. Explorar cómo crear trazos limpios y expresivos utilizando tabletas gráficas.

 

Color y paletas digitales: Explicar cómo trabajar con el color en el entorno digital, desde la selección y creación de paletas hasta el uso de capas de ajuste y modos de fusión para agregar profundidad y estilo a las ilustraciones.

 

Iluminación y sombreado digital: Introducir las técnicas de iluminación y sombreado en el contexto de la ilustración digital. Explicar cómo utilizar capas de sombra, reflejos y luces para crear volumen y realismo en las ilustraciones.

Composición y diseño visual: Enseñar los principios básicos de la composición y cómo aplicarlos en la ilustración digital. Explorar la disposición de los elementos, la jerarquía visual y la creación de equilibrio y armonía en la imagen.

 

Texturas y efectos especiales: Explicar cómo agregar texturas digitales a las ilustraciones para crear efectos visuales interesantes. También se pueden abordar técnicas para simular efectos como acuarela, lápiz o pintura al óleo de forma digital.

 

Ilustración de personajes y criaturas: Enseñar cómo desarrollar personajes y criaturas digitales, desde el boceto inicial hasta el coloreado y el detalle final. Cubrir aspectos como la anatomía, la expresión facial y el diseño de personajes coherentes.

 

Ilustración de entornos y fondos: Explorar la creación de entornos y fondos digitales, desde paisajes hasta interiores detallados. Enseñar cómo utilizar técnicas de perspectiva y profundidad para lograr una representación visual convincente.

 

Proyecto final: Proporcionar a los estudiantes un proyecto final en el que puedan aplicar todos los conceptos y técnicas aprendidas durante el curso. Esto puede ser la creación de una ilustración digital completa o una serie de ilustraciones que cuenten una historia.

 

Recuerda que estos puntos son solo una guía general y que el contenido específico de un curso de ilustración digital puede variar según la institución o el instructor que lo imparta.

tecnicas e ilustracion digital

DIBUJO ANATÓMICO

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Introducción a la anatomía humana: Brindar una visión general de la anatomía humana, destacando los principales sistemas del cuerpo y las estructuras clave que serán relevantes para el dibujo anatómico.

 

Estudio de huesos y esqueleto: Enseñar cómo dibujar y representar de forma precisa los huesos del cuerpo humano, incluyendo su estructura y proporciones. Explorar los huesos principales y su relación con los músculos y las articulaciones.

 

Estudio de músculos y estructuras musculares: Explorar los principales grupos musculares del cuerpo humano y cómo se conectan y se relacionan con el esqueleto. Enseñar cómo dibujar y representar los músculos en diferentes poses y acciones.

 

Proporciones y perspectiva del cuerpo humano: Abordar las proporciones y la perspectiva en el dibujo anatómico, enseñando cómo medir y ubicar correctamente las partes del cuerpo en relación con las demás. Explorar cómo el cuerpo se adapta y cambia en diferentes poses y ángulos.

 

Estudio de articulaciones y movimiento: Examinar las articulaciones principales del cuerpo humano y cómo se mueven en diferentes rangos de movimiento. Enseñar cómo representar correctamente estas articulaciones y sus movimientos en el dibujo anatómico.

 

Estudio de manos y pies: Dedica tiempo específico al estudio de las manos y los pies, que son áreas a menudo desafiantes de dibujar anatómicamente. Explorar su estructura, proporciones y detalles particulares.

Estudio de la cabeza y la cara: Enseñar cómo dibujar y representar la cabeza humana, incluyendo la estructura craneal, los rasgos faciales y las expresiones emocionales. Cubrir aspectos como la colocación de los ojos, la nariz, la boca y las orejas.

 

Perspectiva en el dibujo anatómico: Explicar cómo aplicar los principios de la perspectiva al dibujo anatómico, especialmente en poses complejas y en la representación de figuras en entornos tridimensionales.

 

Luces y sombras en el dibujo anatómico: Enseñar cómo agregar luces y sombras para dar volumen y profundidad a las formas anatómicas. Explorar técnicas de sombreado y cómo representar correctamente diferentes calidades de luz.

 

Práctica de dibujo de modelos en vivo: Proporcionar oportunidades para que los estudiantes practiquen el dibujo anatómico utilizando modelos en vivo. Esto les permitirá aplicar y mejorar las habilidades aprendidas mientras trabajan con la forma humana real.

 

Recuerda que estos puntos son solo una guía general y que el contenido específico de un curso de dibujo anatómico puede variar según la institución o el instructor que lo imparta. Además, es importante que el curso proporcione un ambiente de respeto y ética hacia los modelos y la representación del cuerpo humano.

tecnicas de dibujo anatomio
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PSICOLOGÍA DEL COLOR

Introducción a la psicología del color: Proporcionar una visión general de la importancia y el impacto emocional del color en el comportamiento humano y cómo se utiliza en diferentes contextos, como el diseño, la publicidad y la terapia.

 

Teorías y modelos de la psicología del color: Presentar diferentes teorías y modelos que explican cómo los colores afectan las emociones, las percepciones y las respuestas psicológicas. Esto puede incluir la teoría del color de Goethe, la teoría del color de los contrastes de Chevreul y la teoría del color de la Gestalt, entre otras.

 

Simbolismo y asociaciones culturales: Explorar cómo los colores tienen asociaciones culturales y simbólicas que pueden influir en nuestras respuestas emocionales. Analizar cómo diferentes culturas perciben y utilizan los colores en contextos específicos.

 

El uso del color en el diseño: Examinar cómo el color se utiliza en el diseño gráfico, el diseño de interiores y otros campos creativos. Enseñar cómo seleccionar y combinar colores de manera efectiva para transmitir mensajes, crear armonía visual o generar respuestas emocionales específicas.

 

Efectos psicológicos de los colores individuales: Analizar los efectos psicológicos y emocionales de colores individuales, como el rojo, azul, verde, amarillo, etc. Explorar cómo estos colores pueden influir en el estado de ánimo, la energía, la concentración y otros aspectos psicológicos.

 

El color y la percepción espacial: Investigar cómo el color puede influir en la percepción del espacio y la profundidad. Explorar cómo los colores cálidos y fríos, los colores claros y oscuros, y la saturación pueden alterar nuestra percepción visual de un entorno.

El color y la comunicación visual: Enseñar cómo utilizar el color de manera efectiva para transmitir mensajes y comunicar emociones en diversos contextos visuales, como logotipos, anuncios y señalización.

 

El color en el entorno terapéutico: Examinar cómo el color se utiliza en la terapia y el bienestar emocional. Explorar las aplicaciones de la cromoterapia y cómo los colores pueden influir en el estado de ánimo, el estrés y la relajación.

 

Estudios de casos y ejemplos prácticos: Proporcionar estudios de casos y ejemplos prácticos de cómo el uso del color ha impactado en diferentes contextos, como la publicidad, el diseño de espacios interiores y la terapia. Esto puede incluir análisis de campañas exitosas, ejercicios de diseño y ejemplos de intervenciones terapéuticas basadas en el color.

 

Proyecto final: Permitir a los estudiantes aplicar los conocimientos adquiridos a través de un proyecto final que implique el uso estratégico del color en un contexto específico, como el diseño de un logotipo, la creación de una paleta de colores para un espacio o el desarrollo de una propuesta terapéutica basada en el color.

 

Recuerda que estos puntos son solo una guía general y que el contenido específico de un curso de psicología del color puede variar según la institución o el instructor que lo imparta.

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PINTURA TRADICIONAL

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Temas para acuarela:

 

Paisajes naturales: Enseñar técnicas para representar diferentes elementos naturales, como montañas, ríos, árboles y cielos utilizando acuarelas. Explorar el uso de capas, veladuras y texturas para crear paisajes realistas y atmosféricos.

 

Florales y naturaleza muerta: Centrarse en la pintura de flores y objetos naturales en acuarela. Enseñar cómo capturar la delicadeza de los pétalos, las texturas de las hojas y los detalles de la naturaleza muerta utilizando lavados, pinceladas húmedas y técnicas de reserva.

 

Retratos y figuras: Explorar la pintura de retratos y figuras humanas en acuarela. Enseñar cómo capturar la piel, las expresiones faciales y los detalles anatómicos utilizando técnicas de acuarela, desde lavados sutiles hasta pinceladas más definidas.

 

Animales y vida salvaje: Enfocarse en la representación de animales y vida salvaje en acuarela. Explorar técnicas para capturar el pelaje, las texturas y los ojos expresivos de los animales, utilizando capas transparentes y veladuras para lograr efectos realistas.

 

Acuarela experimental: Introducir técnicas y enfoques experimentales en la acuarela, como salpicaduras, efectos de granulado, utilización de ceras y raspado. Fomentar la creatividad y la exploración de nuevas formas de expresión artística con acuarelas.

 

Temas para acrílicos:

 

Paisajes urbanos: Enseñar técnicas para pintar paisajes urbanos utilizando acrílicos, desde rascacielos y calles concurridas hasta rincones pintorescos de la ciudad. Explorar la representación de arquitectura, luces, sombras y atmósfera urbana.

 

Abstracto y expresionismo: Introducir técnicas y enfoques para crear obras abstractas y expresionistas utilizando acrílicos. Enseñar cómo utilizar pinceladas enérgicas, texturas, colores vibrantes y composición dinámica para transmitir emociones y sensaciones.

 

Naturaleza muerta contemporánea: Centrarse en la pintura de naturaleza muerta contemporánea utilizando acrílicos. Explorar la representación de objetos cotidianos y composiciones inusuales, utilizando técnicas de capas, texturas y enfoques innovadores.

Texturas y técnicas mixtas: Explorar el uso de diferentes texturas y técnicas mixtas con acrílicos, como el uso de pasta de modelado, collage, estampación y empaste. Enseñar cómo crear efectos táctiles y tridimensionales en la superficie de la pintura.

 

Retrato contemporáneo: Enfocarse en la pintura de retratos contemporáneos con acrílicos. Enseñar cómo capturar la personalidad y la expresión de los sujetos, utilizando técnicas de capas, veladuras y pinceladas expresivas.

 

Temas para óleos:

 

Paisajes naturales: Enseñar técnicas para pintar paisajes naturales utilizando óleos, desde colinas y bosques hasta costas y cielos expansivos. Explorar el uso de capas, veladuras y pinceladas sueltas para crear paisajes atmosféricos y ricos en textura.

 

Bodegones: Centrarse en la pintura de bodegones utilizando óleos. Enseñar cómo representar objetos inanimados, como frutas, flores y objetos cotidianos, utilizando técnicas de óleo, desde el dibujo inicial hasta las capas de color y el detalle final.

 

Retratos clásicos: Explorar la pintura de retratos clásicos utilizando óleos. Enseñar cómo capturar la piel, las expresiones faciales y los detalles anatómicos utilizando técnicas de óleo, desde el dibujo inicial hasta las capas de color y los acabados sutiles.

 

Paisajes marinos: Introducir técnicas específicas para la representación de paisajes marinos utilizando óleos. Enseñar cómo pintar agua, olas, cielos y barcos, utilizando técnicas de óleo para capturar la luminosidad y la atmósfera característica de los paisajes marinos.

 

Óleo contemporáneo: Fomentar la exploración y la experimentación en la pintura al óleo, utilizando técnicas y enfoques contemporáneos. Incentivar a los estudiantes a desarrollar su propio estilo y a utilizar el óleo como medio de expresión personal.

 

Recuerda que estos temas son solo una guía general y que el contenido específico de un curso de pintura artística puede variar según la institución o el instructor que lo imparta.

pintura tradicional
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DISEÑO GRAFICO BRANDING Y MARKETING

Introducción al diseño de marca y branding: Proporcionar una visión general del branding y su importancia en el marketing digital. Explorar los elementos clave del diseño de marca, como logotipos, colores, tipografía y elementos visuales consistentes.

 

Investigación de mercado y análisis de competencia: Enseñar cómo realizar investigaciones de mercado para comprender el público objetivo y las tendencias del mercado. Analizar la competencia para identificar oportunidades de diferenciación y posicionamiento en el diseño de marca.

 

Diseño de logotipos: Centrarse en el diseño de logotipos efectivos que representen la identidad de una marca. Enseñar técnicas de conceptualización, bocetado, selección de colores y tipografía para crear logotipos memorables y versátiles.

 

Identidad visual de marca: Explorar la creación de una identidad visual coherente para una marca, incluyendo elementos como paletas de colores, tipografía, patrones, iconografía y estilos de fotografía. Enseñar cómo aplicar estos elementos a diferentes materiales de marketing digital.

 

Diseño de materiales de marketing digital: Abordar el diseño de materiales digitales como banners publicitarios, publicaciones en redes sociales, infografías y contenido visual para blogs. Enseñar cómo adaptar la identidad de marca a estos formatos y cómo optimizar el diseño para una mejor experiencia de usuario.

 

Experiencia de usuario y diseño de interfaces: Introducir los principios del diseño de interfaces centrados en el usuario y su relación con la marca. Enseñar cómo diseñar interfaces atractivas y funcionales para sitios web, aplicaciones móviles y otros canales digitales.

Diseño de empaques y etiquetas: Explorar el diseño de empaques y etiquetas para productos, considerando aspectos como la identidad de marca, la comunicación visual y la diferenciación en el punto de venta. Enseñar cómo crear diseños atractivos y funcionales que destaquen en el mercado.

 

Estrategias de marketing digital: Introducir estrategias de marketing digital y cómo el diseño gráfico puede contribuir a su implementación. Explorar conceptos como el marketing de contenidos, el inbound marketing, el diseño de landing pages y el email marketing.

 

Diseño responsivo y adaptativo: Enseñar cómo diseñar sitios web y materiales digitales que se adapten a diferentes dispositivos y tamaños de pantalla. Explorar técnicas de diseño responsivo y adaptativo para ofrecer una experiencia de usuario óptima en cualquier dispositivo.

 

Proyecto final de branding y marketing digital: Permitir a los estudiantes aplicar los conocimientos adquiridos a través de un proyecto final que involucre el diseño de una identidad de marca y su aplicación en materiales de marketing digital. Esto les permitirá desarrollar habilidades prácticas y demostrar su comprensión del diseño gráfico en el contexto del branding y el marketing digital.

diseño grafio branding marketng

DIPLOMADO DE ARQUITECTURA (DIBUJO Y DISEÑO CREATIVO)

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  • Introducción a la arquitectura: Comenzar con una breve introducción a los principios fundamentales de la arquitectura, incluyendo estilos arquitectónicos, conceptos básicos y la importancia del dibujo en el diseño arquitectónico.

  • Herramientas y materiales: Familiarización con las herramientas y materiales utilizados en el dibujo arquitectónico, como lápices, reglas, escalímetros y papel especializado. También se puede incluir una introducción al dibujo digital utilizando software de diseño asistido por computadora (CAD).

  • Representación de elementos arquitectónicos: Enseñar cómo dibujar y representar de forma precisa los elementos arquitectónicos básicos, como paredes, puertas, ventanas y escaleras. Esto puede incluir ejercicios prácticos para dibujar y dimensionar estos elementos.

  • Dibujo de plantas y alzados: Enseñar a dibujar plantas (vistas en planta) y alzados (vistas en elevación) de edificios simples. Esto incluye cómo representar diferentes niveles, paredes interiores, aberturas y detalles arquitectónicos básicos.

  • Perspectiva: Introducir los principios básicos de la perspectiva y cómo aplicarlos al dibujo arquitectónico. Enseñar cómo crear una ilusión de profundidad y cómo dibujar objetos en perspectiva correctamente.

  • Sombreado y texturas: Explicar cómo agregar sombreado y texturas a los dibujos arquitectónicos para darles más realismo y profundidad. También se pueden abordar técnicas de representación de materiales como madera, vidrio, metal, etc.

  • Diagramas y representación gráfica: Enseñar cómo crear diagramas y representaciones gráficas para comunicar ideas arquitectónicas de manera clara y concisa. Esto puede incluir diagramas de flujo, diagramas de masa, diagramas de sitio, etc.

  • Anotación y dimensionamiento: Explicar cómo anotar y dimensionar los dibujos arquitectónicos de manera precisa y estandarizada. Esto incluye el uso correcto de líneas de cota, leyendas, símbolos y escalas de dibujo.

  • Proyecto final: Proporcionar a los estudiantes un proyecto final que les permita aplicar todos los conceptos aprendidos durante el curso. Esto puede ser el dibujo de un edificio simple o una serie de dibujos que representen una propuesta arquitectónica básica.

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metaversus

"Descubre un Taller Integral de Arte Digital que fusiona dibujo, ilustración 2D y 3D en Blender, VR y AR. Aprende desde los fundamentos del dibujo hasta la creación de ilustraciones 3D realistas usando Blender. Además, explora la magia de la realidad virtual y aumentada, dando vida a tus obras en entornos virtuales y reales. Nuestros expertos instructores te guiarán desde principiantes hasta niveles avanzados, brindándote las herramientas para impulsar tu creatividad. Únete a este viaje único y transformador de autodescubrimiento artístico. Plazas limitadas, ¡reserva tu lugar ahora para explorar arte y tecnología en perfecta armonía!"
 

Módulo 1: Fundamentos del Dibujo y la Ilustración 2D

 

  • Introducción a los conceptos básicos del dibujo y la composición.

  • Técnicas de trazo, sombreado y proporciones en el dibujo 2D.

  • Exploración de herramientas digitales para ilustración en 2D.

  • Creación de ilustraciones en 2D con enfoque en estilos y narrativa visual.

 

Módulo 2: Introducción a la Ilustración 3D con Blender

 

  • Familiarización con el software Blender y su entorno de trabajo.

  • Creación de objetos tridimensionales a partir de primitivas y modelado básico.

  • Uso de texturas y materiales para añadir realismo a las creaciones 3D.

  • Iluminación y renderización para presentar tus ilustraciones 3D.

 

Módulo 3: Avanzando en la Ilustración 3D

 

  • Exploración de técnicas avanzadas de modelado y escultura en Blender.

  • Creación de personajes y criaturas tridimensionales con atención al detalle anatómico.

  • Estudio de la iluminación, sombreado y renderización de alto nivel en ilustraciones 3D.

Módulo 4: Diseño de Experiencias en Realidad Virtual (VR)

 

  • Introducción a los conceptos de realidad virtual y su potencial creativo.

  • Creación de entornos y escenarios en VR utilizando plataformas y herramientas.

  • Incorporación de ilustraciones y objetos 3D en experiencias de realidad virtual interactivas.

 

Módulo 5: Explorando la Realidad Aumentada (AR)

 

  • Comprensión de la realidad aumentada y su integración con el arte digital.

  • Desarrollo de proyectos de realidad aumentada que combinan ilustraciones con el entorno real.

  • Utilización de herramientas para crear aplicaciones de AR y presentar tus obras de manera innovadora.

 

Módulo 6: Diseño de Identidad Visual y Marketing Artístico

 

Desarrollo de una identidad visual sólida para tus obras y proyectos.

Creación de materiales de marketing digital, como banners, publicaciones en redes sociales y contenido visual para promocionar tu arte.

 

Estrategias para promocionar tu trabajo artístico en línea y maximizar su impacto.

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